課堂筆記│高炳權X北村豐晴:何謂喜劇節奏?怎麼「抓」?

對許多演員來說,喜劇是表演路上的一大挑戰。日本導演北村豐晴在台發展多年,拍攝的電視劇、電影都帶有強烈喜劇色彩,叫好又叫座;而台灣導演高炳權甫以黑色喜劇電影《江湖無難事》獲金馬獎和台北電影獎多項肯定,無厘頭的故事風格,為台灣的類型電影帶來了不同的視野。

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何謂喜劇?

在對談的一開始,問兩位何謂喜劇?高炳權率先表示,喜劇多有皆大歡喜的結局,可以讓觀眾開心地走出電影院,為平凡的日常創造抒發的出口;北村豐晴回憶自己的電影啟蒙者是導演蔡明亮,他心目中的喜劇其實是很「寫實」的,挖掘出了生活的況味,只是用喜劇的方式述說,而喜劇和鬧劇絕對是不同的,差別在於鬧劇更瘋,如同夢境,超脫現實甚至到突兀的程度。北村豐晴直指,許多人常混淆喜劇和鬧劇,因此在表演喜劇片段時太誇張,在鬧劇橋段時又太拘謹,他將自己的作品定調為喜劇,而非鬧劇。

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何謂喜劇節奏?

相較於其他類型,喜劇表演很仰賴「節奏」,這也是許多表演者會提到的關鍵字。到底,什麼叫做喜劇節奏?

高炳權從「節奏」解釋,他舉梅莉史翠普為例,梅莉史翠普的表演節奏很「準確」,她會將戲切分成不同區塊來經營,理解文本後,再將其破壞重組,進而在當中暗藏驚喜,拳拳到肉。在喜劇的範疇中,演員天生的幽默感是無可取代的,當演員被賦予空間,就能夠自己切分節奏,當然,這需要不斷地累積經驗、練習。北村豐晴則表示,緊湊的劇情通常會比較好笑,因此當劇本本身的喜劇成分沒有那麼強烈時,就必須讓演員加強表演節奏。

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喜劇表演的訣竅與特質?

然而,喜劇依然是戲劇,喜劇表演依然建構在「建立角色」、「進入情境」上,接著,就端看各導演追求怎樣的喜劇風格,也就是說,要多好笑、如何好笑。

高炳權表示,他的喜劇就像是「笨蛋的旅程」,笨蛋在完成目標的過程中會不斷跌倒犯錯,飾演「笨蛋」的演員只需專注在角色,並不用刻意「搞笑」,一旦順應情節,自然而然會產生喜劇效果。在這樣的前提下,「節奏」反而不是當務之急,演員要和導演確認喜劇的「強度」,意即導演追求的表現形式究竟多瘋狂?進一步挖掘角色的特質,將之轉化為「偏執」來服務劇本。

創作一齣成功的喜劇,演員的表演功不可沒,而演員的表演成功與否,則十分看重跟導演的溝通、共識。

在喜劇的世界裡,「合理性」並不是重點,演員要放得開、有彈性,不斷調整表演的強弱,就算導演要求很「形式」的表現方式,演員也要讓這個形式看起來很自然。北村豐晴常以日本名導的「三倍論」來和演員溝通,當演員心中出現了對表演的想像藍圖,北村豐晴就會請他們給出三倍的表演強度,以達成戲劇效果。從前期到拍攝現場,北村豐晴都會花非常多時間摸索、確認和演員們溝通的方式,測試每個演員的彈性,了解自己如何調整表演的收放。

緊張跟緩和的反差也是喜劇表演的笑點,例如在周星馳電影中,他常安排外型亮麗的女主角於出場時跌倒,就是一個簡單有力的笑梗。如何在表演上呈現反差?必然是演員的一大挑戰,除了在劇本創作和剪接階段精心安排Cue點,北村豐晴也常以演員的外型來形塑反差,牽動觀眾的心。

對導演們來說,喜劇除了要讓觀眾隨劇情和角色經歷一場旅行,還要引人發笑,因此,時時刻刻都要掌握作品的結構鋪陳,注意演員表演的張弛。文本上的笑點在現實中不一定成立,兩位導演都力求在拍攝現場一定要夠好笑,才能確保在剪接台上也是好的素材。

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喜劇還具有「在地性」,一樣的劇情拿到不同的文化中,勢必會產生截然不同的意義,因此,設定目標族群相當重要。

美國的喜劇就致力於營造「情境式喜劇」,以利推廣到全球的娛樂市場。北村豐晴的作法則是在作品中融合親情、愛情等成分,以情感為影片帶來更豐富的可能性;正因如此,這些作品的重點依然會回歸到表演本身,而非只追求「笑」果。

 

怎樣才能當喜劇演員?

在講座的最後,高炳權建議有志於喜劇表演的朋友們可以先從模仿開始,不論是情境喜劇、單口相聲,都可以是你模仿的對象;藉由大量的觀影、練習,累積自己的資料庫,才能在表演當下做出對的決定、丟出對的笑梗。北村豐晴則喜歡將演員個人的幽默特質帶入作品中,鼓勵大家增加生活的歷練,別丟失幽默感。只不過,不管要怎麼入門,都別忘了:

「在成為喜劇演員前,要先成為演員。」

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撰稿:鐘林盼

編輯:呂嘉薰(薰鮭魚)

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